Michael Lukas

Geest - fliessende Steine

Landesmuseum für Natur und Mensch Oldenburg 2006


Dimensions : 500 cm x 600 cm x 800 cm (Height, Width, Depth)
Weight : 600 kg
Year : 2006
Material : Mixed Media, Installation

Michael Lukas

Michael Lukas / occupied corner, 2016                    Dr. Magdalena Wisniowska

Just as there are two ways of interpreting the aesthetic object, there are two ways in which the work of Michael Lukas can be approached. If we take the perspective prior to aesthetic experience, the work becomes the object of our study. We begin by situating the work and cataloguing its numerous themes. These include but are not limited to the fields of ontology, topology, geography, social science and history. From the perspective of aesthetic experience however, we need to examine the kind of experience the work engenders, which I would argue is unique. Perhaps the term aesthetic experience is misleading as Michael Lukas’s work involves much more than the traditional sense of the term, with the object to be viewed by the human subject, the individual artwork to be judged by the art expert, the connoisseur. Michael Lukas’s work presents a problem: in Deleuze’s words, it forces us to think.
The site-specific work we see at GiG Munich does not exist as the one or even the group of paintings, what we know as compositions of brushstrokes on wood or canvas. It consists of the relations and connections these material elements make with each other, with other paintings, with the artist and with us, the viewer. The relations are physical but also abstract or intellectual, the connections between nebulous ideas just as important as those made by objects in Euclidean space. In other words the painting installation of Michael Lukas stages an encounter, an encounter always being the confrontation between a set of forces. The result of the encounter is an assemblage of affects.
For Spinoza, who is my main reference point here, the forces set up in the encounter have two possible outcomes. The encounter results either in the increase of the capacity for action, which is perceived as pleasurable, or in its decrease, which is felt as pain. The assemblage of affects is the consequence of the first kind of encounter, the pleasurable composition of relations, which ultimately is to bring us knowledge of God. Deleuze complicates matters by insisting that in the encounter, the position adopted by the body is one of combat. In combat, forces struggles against each other, going across and breaking up the organized body, as set within its boundaries. For combat to be considered by Deleuze as a positive encounter, this struggle cannot be resolved with the dominance of one force over the others. Any kind of resolution compromises combat’s inherent creative element. Something new is only produced when the struggles of the forces is maintained.
Michael Lukas’s work keeps up this tension, this struggle between various forces. He uses the frame, a repeated motif in his paintings and physically manifest as a sculptural relief hanging in the gallery corner, to demand from us the move out of an organized framework – to shift from one material aspect to another, to make those intellectual connections we would otherwise not make, all the time preventing us from ever settling on the one object, the one image, the one idea. When encountering Michael Lukas’s work, we are forced to think, in that we are forced into a position of creativity. It spurs us to action. But it never allows this activity to be resolved. We are continually intrigued, looking, making sense, thinking. 2016

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FF 17 - Monument - Victim of Homosexual Persecution Sculpture
The important things first The rainbow colors of the monument are created by daylight alone, without electricity. Here the focus is on the colors projected by daylight, which always appear in a new light depending on the time of day and the weather. Depending on the nature of the background, the colors appear almost as clear as with colored glass windows, since the light is refracted. The brighter the ambient light, the more delicate the colors appear. The darker it gets, the brighter they shine. Direct light depicts the object as a colored shadow, indirect light allows the colors to run smoothly. Daylight hits the white background and from there is thrown onto the painted back of the strips in front, projecting the color onto the white background and making it visible to the viewer. This effect works from sunrise to sunset. Idea The consideration before finding the form was whether a classic monument, for example with a base and a top part cast in bronze, would still trigger the desired reactions in today's viewers or whether it would not be better to go in a different, more contemporary direction. I tried the latter with this design. Experience has shown that you are more concerned with something if it is not obvious at first glance and you have to conquer it of your own accord (almost like in love). What only becomes apparent at second and third glance stays with you longer. To do this, however, the viewer's attention must first be demanded. In this case with the unusual shape, the bold construction and the bright colors. Curious, our passer-by finds the inscription on the back, the subject of which he will try to connect with the individual parts and overall picture of the monument when he looks at it again. Appearance In order not to limit the topic to the sad historical event and to transport it to the "here & now", I decided to make the monument appear self-confident and, in the case of the brilliant rainbow colors, almost cheerful. The horizontal band (B,C) literally and figuratively accompanies passers-by a part of their way - by the way, at eye level! _________________________________ Das Wichtigste zuerst Die Regenbogenfarben des Monuments entstehen alleine durch Tageslicht, ohne Strom. Hier richtet sich der Focus auf die durch das Tageslicht projizierten Farben, welche durch Tageszeit und Wetterlage immer in neuem Licht erscheinen. Je nach Beschaffenheit des Hintergrundes erscheinen die Farben fast so klar wie bei färbigen Glasfenstern, da es sich um gebrochenes Licht handelt. Je heller das Umgebungslicht ist, desto zarter erscheinen die Farben. Je dünkler es wird, desto kräftiger leuchten sie. Direktes Licht bildet das Objekt als färbigen Schatten ab, indirektes Licht läßt die Farben zart verlaufen. Das Tageslicht trifft auf den Hintergrund B und wird von dort auf die bemalte Rückseite der vorgelagerten Streifen C geworfen, wodurch die Farbe an die Fläche B projiziert und für den Betrachter sichtbar wird. Dieser Effekt funktioniert von Sonnenaufgang bis Sonnenuntergang.
 Idee Die der Formfindung vorausgegangene Überlegung war, ob ein klassisches Monument zB mit Sockel und in Bronze gegossenem Aufsatz beim heutigen Betrachter noch die gewünschten Reaktionen auslösen würde oder ob es nicht besser wäre andere, zeitgenössische Wege zugehen. Letzteres habe ich mit diesem Entwurf versucht. Erfahrungsgemäß beschäftigt man sich mit einer Sache mehr, wenn sie sich nicht gleich plakativ und vordergründig auf den ersten Blick zu erkennen gibt und man sie sich aus eigenem Antrieb erobern muß (beinahe so wie in der Liebe). Was sich erst auf dem zweiten und dritten Blick erschließt, bleibt länger hängen. Dazu muß allerdings erst die Aufmerksamkeit des Betrachters erheischt werden. In diesem Fall mit der ungewöhnlichen Form, der kühnen Konstruktion und den leuchtenden Farben. Neugierig geworden, findet unser Passant auf der Rückseite die Inschrift, deren Thematik er beim nochmaligen Betrachten des Monuments mit dessen Einzelteilen und Gesamtbild versuchen wird in Verbindung zu bringen. Erscheinungsbild Um das Thema nicht nur auf das traurige historische Ereignis zu beschränken und es ins “Hier & Heute” zu transportieren, habe ich mich für ein selbstbewusstes und im Falle der brillanten Regenbogenfarben für ein fast heiteres Auftreten des Monuments entschlossen. Das horizontale Band (B,C) begleitet dabei im wörtlichen wie im übertragenem Sinne die Passanten ein Stück weit ihres Weges - übrigens auf gleicher Augenhöhe!
Alexander Lorenz, Metal, Installation
Ich gebe dir ZUKUNFT
Die Geste des Gebens ist für eine Bäckerei täglich Brot. Zur 60-Jahrfeier von Fischer Brot wurde ein Museum eingerichtet. Am Ende des Museums ist eine Hand mit Touchscreen installiert. Hier sieht man das Heute und die Visionen und Pläne für Morgen. Also "Ich gebe Dir Zukunft" . 420 Cr-Ni Buchstaben aus dem Firmennamen FISCHER BROT formen eine Hand die aus der Decke kommt und 1 Meter über dem Boden schwebt. Durch die Auflösung der Oberfläche in Buchstaben wird die Skulptur leicht und fügt sich elegant in die Eingangshalle ein. Im Inneren der Hand ist eine indirekte Beleuchtung eingelassen, dies unterstützt die Illusion der schwebenden Hand otimal.
Konrad Feichtinger, Metal, Mixed Media
Rooting Garden
Cahors Juin Jardins, Cahors (France) Site: public park in the old town of Cahors, former herb garden of a monastery . Extension of a line of flowerbeds Materials: iron fence, roots, earth, plants 2.3 x 2.3 x 0.8 m
Cornelia Konrads, Installation
Holzskulptur aus Eiche. Auseinandersetzung: Zuweilen wird die Welt ganz klein, als ob man unter einer Glocke lebt. Die eigenen Gedanken, die eigenen Gefühle, drücken einen zu Boden, umzingeln einen. Werden urplötzlich zu Gefahr, ketten einen, machen einen klein, machen einen niedrig.​ Und die Frage, die sich nun stellt: ​Was ist es das uns aus dem Kerker, aus unserem eigenen Panzer, zu befreien vermag.
Sabrina Ferwagner, Wood
Seele des Baumes
Ein gesamter Baum wurde zerteilt und in einem leeren Becken installiert,
Frank Nordiek, Wood
Starke Schulter / Strong Shoulder
Andreas Rimpel / Ton / kubistische Skulptur
Andreas Rimpel, Clay, Bronze
Mother and Child
Optics and pattern combined with figurative exploration
Owen Johnson, Glass, Glass
Centre d‘Arts et de Nature, Domaine de Chaumont-sur-Loire (France) Site: forestborder, start of a narrow trail Materials: iron, steel cable, branches
Cornelia Konrads, Installation
Holzskulpturen aus Robinie und Birke. Auseinandersetzung: Stärke vs. Schwäche Schild, Schutz, Verletzlichkeit Was muss geschützt werden? Was wollen wir sehen? Welches Bild wollen wir sehen? Was müssen wir schützen? Was wollen wir nicht sehen? Was ertragen wir zu sehen? Welchem Bild wollen wir glauben?
Sabrina Ferwagner, Wood
Büste mit Goldhaube / grüner Haube | Bronze
Claudia Katrin Leyh, Bronze, Metal
Holzskulptur aus Eiche. Gefärbt mit Eisensulfat. Auseinandersetzung: In diesem Werk wird der Zustand der Befreiung, der Liberation, aus einem Gefangenheitsgefühl thematisiert. Oft sind wir im Kopf verfangen, basierend auf antrainierten Glaubenssätzen, die uns in Abhängigkeiten halten. Dieses Werk spricht von dem Zeitpunkt der Befreiung von diesen Glaubensätzen und damit einhergehenden Ängsten.
Sabrina Ferwagner, Wood, Wood
Holzskulptur aus Eiche.
Sabrina Ferwagner, Wood
Bücherstapel aus Kastanienholz Um den Bücherstapel läuft ein Zitat des Schriftstellers Hunter S. Thompsen:´´life has become immeasurably better since i have been forced to stop taking it seriously´´ Privatbesitz
Lukas Schmid, Wood, Wood
prêt à porter
Wachsmasken, Silberdraht, Kupferstangen
Eva Ducret, Installation
Anröchter Dolomit Gesägt und geschliffen
Friedrich Vossel, Stone
Fog 3
Material: fog Location: Bochum, Germany Size: 18x30x14m Year: 2017 Photo: © Mandy Göhler
Judith Mann, Mixed Media, Others
Daphne Caruana Galizia
In memory of Daphne Caruana Galizia, journalist, Malta, murdered 2017
Claire Nelissen, Bronze
„Fünf Jahre“ ist ein am 8. Januar 2018 erstmals hergestelltes Kunstobjekt des deutschen Künstlers Roland Eugen Beiküfner als Multiple in einer Auflage von fünf limitierten Einzelexemplaren in fünf aufeinander folgenden Jahren. Bestehend aus einer Vitrine, einem Nothammer, der Musik-CD "The Rise and the Fall of Ziggy Stardust an the Spiders from Mars" von David Bowie und einem Teil einer Bambus-Stange mit einer Inschrift „Fünf Jahre vor dem Weltuntergang bitte öffnen“. Bei der Eröffnung der Ausstellung „Treibgut“ im Markt Feucht sagte der Künstler dazu: „Meine Objekte sind nicht aktuell, sondern wirklich akut.“ Das Multiple mit der Nummer 1 vom 8. Januar 2018 befindet sich in der Sammlung Erhard Witzel im Quadrart Dornbirn in Dornbirn. Die Nummer 2 aus dem Jahr 2019 in der Galerie Al Dente in der Sammlung von Kathrin Koll in Schwarzenbruck. Die Nummer 3 aus dem Jahr 2020 ist in der Sammlung von Prof. Dr. Urich Amon und Dr. Sabine Amon, Eschenbach.
Roland Eugen Beiküfner, Mixed Media, Installation
Convergent 2
The Convergent series is the preliminary result of a skin/landscape research that I conducted, and for which I received a grant from the Flemish Ministry of Culture in 2017, a research that I continued to conduct in the years that followed. For my research I worked together with the morphology department of the Faculty of Veterinary Medicine at Ghent University. I became fascinated by the skin of the many different animals I saw. I took moulds from some body parts, looked at skin cells under the microscope and looked at landscapes with folds and similar textures in mountains and rocks. The title Convergents' refers to a biological phenomenon. A convergent evolution is an evolution of the same function in different groups of animals that have no further relationship: eg the wings that developed in birds and bats. Where I buy my stones I noticed a solid block of black marble. Over the many years he lay outside, the log had split from the seepage of water into the small fissures. The block was full of naturally formed fractures and was no longer useful to most sculptors. It was ideal for my project! The fracture surfaces show the surface of the stone without any human intervention. Black marble is mined in the Mazy quarries in Belgium. The stone is 360 million years old.
Chantal Pollier, Stone, Natural materials
glia 1
glia 1, copper,bronze
Hans Some, Bronze, Metal
Pappel, Feuer, Wachs / poplar, fire, wax
Andreas Mathes, Wood, Wood
Anröchter Dolomit Standort Marblicksweg Lippstadt
Friedrich Vossel, Stone
Society I.
Gruppe von Holzskulpturen aus Elsbeere.
Sabrina Ferwagner, Wood
Egon, Sitzender Männerakt
Platane geflämmt, geölt Sockel Granit
Andreas Mathes, Wood, Wood
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